Bagaimana lukisan oleh seniman terkenal menjadi bagian dari mode, membentuk gaya baru abad kedua puluh

2024 Pengarang: Richard Flannagan | [email protected]. Terakhir diubah: 2023-12-16 00:09

Hubungan antara seni dan mode menentukan momen-momen tertentu dalam sejarah. Kedua media ini mencerminkan perubahan sosial, ekonomi dan politik dari tahun 20-an yang menderu ke tahun 80-an yang semarak. Berikut adalah empat contoh seniman dan perancang busana yang, melalui karya mereka, membantu membentuk perspektif baru tentang seni dan mode abad ke-20.

1. Halston & Warhol: Persaudaraan Mode

Persahabatan antara Roy Halston dan Andy Warhol mendefinisikan dunia seni. Baik Roy maupun Andy adalah pemimpin yang membuka jalan untuk membuat artis/desainer menjadi selebriti. Mereka menghilangkan stigma sok dunia seni dan membawa fashion dan gaya ke massa. Warhol menggunakan sablon sutra beberapa kali untuk membuat gambar. Meskipun dia jelas tidak menemukan prosesnya, dia merevolusi ide produksi massal.

Roy menggunakan kain dan motif yang simpel dan elegan namun glamor dengan penggunaan payet, ultras, dan sutra. Dia adalah salah satu yang pertama membuat mode Amerika dapat diakses dan diinginkan. Keduanya meninggalkan jejak terakhir mereka pada seni dan gaya sepanjang tahun 1960-an, 70-an dan 80-an, yang berlanjut hingga hari ini.

Baik Roy dan Andy telah bekerja sama dalam banyak proyek berbeda. Warhol membuat kampanye iklan yang menampilkan pakaian Halston dan bahkan Halston sendiri. Pada gilirannya, Halston menggunakan motif bunga Warhol di beberapa koleksi pakaiannya, mulai dari gaun malam hingga pakaian santai.

Roy menggunakan pola sederhana dalam pakaiannya, yang membuatnya sangat sukses. Mereka nyaman dipakai, tetapi juga memiliki sentuhan kemewahan berkat bahan, warna, dan cetakannya. Warhol juga menyederhanakan bahan dan prosesnya. Ini membuatnya lebih mudah untuk mereproduksi karyanya dan membuatnya lebih laku.

Kesuksesan komersial memiliki tantangan tersendiri bagi kedua artis tersebut. Halston adalah yang pertama bermitra dengan rantai ritel JCPenney pada tahun 1982 dan ini telah mempengaruhi kualitas mereknya. Warhol juga mendapat kritik, karena karyanya dianggap dangkal. Namun, keduanya telah memodernisasi penggunaan ritel dan pemasaran di ruang masing-masing untuk menciptakan merek untuk penjualan pasar massal.

Roy dan Andy sering berkunjung ke Studio 54. Mereka mengadakan pesta, merancang dan memproduksi karya untuk selebriti seperti Liza Minnelli, Bianca Jagger dan Elizabeth Taylor. Semua ini tercermin dalam karya mereka yang menginspirasi dan mendefinisikan era disko tahun 1970-an.

Halston dikenal karena menciptakan pakaian malam yang berkilauan. Roy meletakkan payet secara horizontal di atas kain, menciptakan efek shimmery dari bahan yang digunakannya untuk menciptakan pakaian mewah yang disukai banyak wanita glamor.

Seri Sepatu Debu Berlian Warhol juga menggambarkan kehidupan malam Studio 54 dan para selebriti yang tinggal di sana. Debu berlian adalah apa yang dia gunakan di atas stensil atau lukisan, menciptakan elemen kedalaman ekstra untuk karya tersebut. Dan sepatunya awalnya merupakan ide untuk kampanye iklan Halston. Bagaimanapun, keduanya memberikan kontribusi besar pada mode, meninggalkan bekas yang tak terhapuskan di belakang mereka. Memang, bahkan saat ini, banyak desainer modern yang terinspirasi oleh ide Andy dan Roy, menciptakan koleksi yang luar biasa dengan gema masa lalu.

2. Sonia Delaunay: Ketika seni menjadi mode

Sonia Delaunay tidak hanya merevolusi bentuk baru Kubisme, tetapi juga memperkenalkan hubungan antara seni dan mode. Baik Delaunay dan suaminya adalah pelopor Orphism dan bereksperimen dengan berbagai bentuk abstraksi dalam seni. Dia adalah yang pertama dari jenisnya yang menggunakan gaya artistiknya sendiri dan pindah ke dunia mode menggunakan desain, cetakan, atau pola tekstil aslinya. Dia lebih dikenang karena seni dan hubungannya dengan suaminya daripada fashionnya. Gayanya memainkan peran utama di tahun 1920-an, dan katalog pakaiannya lebih dikenang untuk foto dan referensi seninya daripada pakaian itu sendiri. Bagi Sonya, ada dan tidak ada batas antara seni dan mode. Baginya, mereka adalah satu dan sama.

Dia memulai bisnis fesyennya pada tahun 1920-an, menciptakan pakaian untuk klien dan merancang kain untuk produsen. Sonya menyebut labelnya Simultan dan melangkah lebih jauh dengan penggunaan warna dan pola pada berbagai subjek. Simultanitas memainkan peran penting dalam karyanya, dan tekniknya yang tidak biasa mengingatkan pada selimut tambal sulam atau tekstil dari Eropa Timur: warna ditumpangkan satu sama lain, dan pola digunakan untuk menciptakan harmoni dan ritme. Tema umumnya termasuk kotak / persegi panjang, segitiga dan garis atau bola diagonal - semuanya tumpang tindih dalam berbagai desainnya.

Delaunay adalah seorang wanita muda selama era Edwardian, ketika korset dan konformitas adalah norma. Ini berubah pada 1920-an ketika wanita mulai mengenakan rok di atas lutut dan pakaian longgar yang pas. Aspek ini terlihat dalam desain Delaunay dan dia sangat bersemangat untuk menciptakan pakaian yang sesuai dengan kebutuhan wanita. Sonya mengembangkan pakaian renang yang memungkinkan wanita merasa lebih nyaman, bahkan saat berolahraga dan berenang. Dia meletakkan cetakannya di mantel, sepatu, topi, dan bahkan mobil, menggunakan permukaan apa pun sebagai kanvas. Desainnya menciptakan kebebasan bergerak dan berekspresi melalui warna dan bentuk.

Sepanjang karirnya, dia terus-menerus mencoba sendiri dalam sesuatu yang baru, dan sebagai hasilnya, pindah ke bioskop dan teater. Sonia mendesain kostum untuk The Little Parisian karya Rene Le Somptier, sementara suaminya melakukan set untuk film tersebut. Dia menyukai bentuk-bentuk geometris, dengan cekatan menggabungkan dan mencampurnya satu sama lain, menciptakan pola-pola aneh dan garis putus-putus yang telah menjadi ciri khasnya.

3. Kolaborasi Elsa Schiaparelli dan Salvador Dali

Avant-garde seni surealis dikombinasikan dengan pemimpin mode surealis. Salvador Dali dan perancang busana Elsa Schiaparelli telah berkolaborasi dan saling menginspirasi sepanjang karir mereka. Mereka menciptakan tampilan ikonik seperti Lobster Dress, The Shoe Hat dan The Tear Dress yang mengejutkan dan menginspirasi penonton baik dalam seni maupun fashion. Dali dan Schiaparelli membuka jalan bagi kolaborasi masa depan antara perancang busana dan seniman, menjembatani kesenjangan antara apa yang dianggap seni dan mode yang dapat dikenakan. Dali menggunakan lobster sebagai tema yang berulang dalam karyanya dan tertarik pada anatomi mereka.

Gaun "Omar" adalah karya bersama Elsa dan Dali, dan kreasi mereka menimbulkan banyak kontroversi tidak hanya pada hari debutnya, tetapi juga setelahnya. Pertama, ia memiliki korset tipis dan rok organza putih. Pakaian yang tidak biasa benar-benar meledakkan dunia mode, menyebabkan banyak kontroversi pada skor ini. Penggunaan kain putih juga kontras dengan warna merah lobster. Putih dapat dianggap perawan atau melambangkan kesucian dibandingkan dengan merah, yang dapat berarti ketenangan, kekuatan, atau bahaya.

Kerangka adalah tema lain yang ditemukan dalam seni surealis dan telah digunakan dalam lebih banyak kolaborasi antara Dali dan Schiaparelli. Gaun Skeleton adalah yang pertama dari jenisnya. Elsa menggunakan teknik yang disebut trapunto, di mana dua lapisan kain dijahit menjadi satu, menciptakan garis luar di mana batting dimasukkan, sehingga menciptakan efek terangkat. Teknik ini menciptakan permukaan bertekstur pada kain datar, memberikan ilusi bahwa tulang manusia menonjol melalui gaun itu. Hal ini menimbulkan skandal karena gaun itu terbuat dari bahan elastis yang menempel di kulit. Fantasi lukisan dan gambar Dali diwujudkan dalam dunia pakaian Schiaparelli yang tidak nyata, yang hingga hari ini membuat kesan yang tak terhapuskan pada pemirsa dan desainer.

4. Yves Saint Laurent: Pertarungan Seni dan Inspirasi

Di mana batas antara imitasi dan apresiasi? Kritikus, penonton, seniman dan desainer telah berjuang untuk menentukan di mana garis ini berjalan. Namun, ketika datang ke Yves Saint Laurent, niatnya tidak lebih dari sanjungan dan kekaguman terhadap seniman dan lukisan yang ia gunakan sebagai inspirasi. Melihat portofolionya yang luas, Saint Laurent terinspirasi oleh budaya dan seni dari seluruh dunia, yang berhasil ia masukkan ke dalam pakaiannya.

Meski Yves tidak pernah bertemu dengan seniman yang menginspirasinya, itu tidak menghentikannya untuk menciptakan karya seni sebagai tanda penghormatan kepada mereka. Laurent mendapat inspirasi dari seniman seperti Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque dan Picasso. Dia adalah seorang kolektor seni dan mengumpulkan lukisan Picasso dan Matisse, yang dia gantung di rumahnya.

Yves mengambil beberapa motif seni dan mengubahnya menjadi pakaian menakjubkan yang memberi penghormatan kepada beberapa seniman favoritnya. Tahun 1960-an adalah masa revolusi dan komersialisme, era baru mode dan seni. Proyek Saint Laurent memperoleh kesuksesan komersial ketika ia mulai menarik inspirasi dari seni pop dan abstraksi. Pada tahun 1965, ia menciptakan dua puluh enam gaun yang terinspirasi oleh lukisan abstrak karya Piet Mondrian. Gaun tersebut mewujudkan penggunaan bentuk sederhana dan warna primer yang berani dari Mondrian. Yves menggunakan teknik di mana tidak ada jahitan yang terlihat di antara lapisan kain, yang memberi kesan bahwa pakaian itu utuh. Saint Laurent mengambil seni Mondrian dari tahun 1920-an dan membuatnya dapat dikenakan dibandingkan dengan tahun 1960-an.

Gaun fashion adalah contoh klasik gaya tahun 1960-an. Mereka mirip dengan pakaian tahun 1920-an yang tidak terlalu dibatasi dan memiliki lengan dan hemline yang memperlihatkan tambalan kulit yang besar. Siluet persegi Saint Laurent membuat wanita merasa ringan dan bebas. Ini juga membuatnya mendapat inspirasi dari seniman pop art seperti Tom Wesselman dan Andy Warhol. Dia menciptakan garis desain yang terinspirasi seni pop yang menampilkan siluet dan guntingan pada pakaiannya. Itu tentang mengatasi keterbatasan abstraksi dalam seni dan komersialisasi desain. Laurent menyatukan dua ide ini untuk menciptakan pakaian untuk wanita yang bebas dan menarik bagi wanita modern.

Jaket Vincent Van Gogh Saint Laurent adalah contoh bagaimana Yves menggabungkan inspirasi seniman dengan bakat desainnya sendiri. Seperti pakaiannya yang lain, tema yang berhubungan dengan artis tidak disalin dan ditempelkan ke pakaian Saint Laurent. Sebaliknya, ia memilih untuk menggunakannya sebagai sumber inspirasi dan membuat karya yang mencerminkan gayanya sendiri. Jaket adalah contoh gaya tahun 80-an, yang disulam dengan bunga matahari dalam gaya Van Gogh yang indah.

Laurent telah berkolaborasi dengan Maison Lesage, pemimpin dalam bordir haute couture. Jaket "Bunga Matahari" disulam dengan manik-manik berbentuk tabung. Bunganya dipenuhi dengan berbagai warna oranye dan kuning berkilau. Ini menciptakan tekstur multidimensi yang mirip dengan teknik Van Gogh menerapkan cat tebal ke kanvas. Diperkirakan menjadi salah satu barang haute couture termahal yang pernah dibuat dan dijual di Christie's dengan harga hampir empat ratus ribu euro. Saint Laurent membuka jalan untuk mengenakan pakaian sebagai karya seni tersendiri, terlepas dari mode dan periode waktu.

Melanjutkan topik, baca juga tentang apa yang membuat Saeko Yamaguchi sukses, menjadikannya salah satu inspirasi Kenzo dan Yamamoto yang paling dicintai.