Bagaimana Amazon dari avant-garde Rusia menaklukkan Paris dan sekitarnya: Natalia Goncharova

2024 Pengarang: Richard Flannagan | [email protected]. Terakhir diubah: 2023-12-16 00:09

Natalia Goncharova adalah seniman, desainer, dan penulis Rusia yang luar biasa. Dia menjadi terkenal di seluruh dunia berkat karyanya yang cerah, berair, dan luar biasa yang menggabungkan beberapa gaya: dari Fauvisme dan Kubisme hingga Futurisme dan Art Nouveau. Dia juga dikenal karena kostum dan set untuk balet dan teaternya, yang mencolok dalam keserbagunaan dan desainnya yang tidak biasa pada masa itu.

Selama dua dekade pertama abad ke-20, seni Rusia menyerap gaya dan filosofi baru seni Eropa Barat dan pindah ke garis depan budaya. Goncharova dan suaminya Mikhail Larionov, dengan pekerjaan dan upaya mereka untuk mengatur pameran dan tim kreatif, menemukan diri mereka di pusat revolusi artistik ini, yang mendahului dan menyertai pergolakan politik di negara itu.

Natalia lahir di Nagaevo di Rusia Tengah. Keluarga Goncharov kehilangan kekayaan mereka berdasarkan produksi rami pada akhir abad ke-18. Penyair terkenal Pushkin menikahi salah satu leluhurnya, Natalia Goncharova, yang namanya diambil darinya. Ayahnya adalah seorang arsitek. Keluarga ibu Natalia, keluarga Belyaev, melahirkan beberapa imam dan dikenal sebagai pelindung musik.

Di tahun-tahun awalnya, Natalya menghadiri gimnasium di Moskow. Dan pada usia yang lebih sadar, setelah memutuskan untuk menjadi seorang seniman, ia memasuki Sekolah Seni Lukis, Patung, dan Arsitektur (Moskow), di mana ia belajar seni pahat dengan Pavel Trubetskoy, yang bekerja dengan gaya Auguste Rodin. Dia meninggalkan perguruan tinggi tiga tahun kemudian, meskipun memenangkan medali perak dan tidak menyelesaikan masa studi sepuluh tahun untuk kurikulum. Ini bertepatan dengan penerimaannya terhadap lukisan sebagai media ekspresi yang disukainya.

1. Karir dan suami

Pada 1900, Goncharova bertemu calon suaminya, Mikhail Larionov. Dia juga pergi ke perguruan tinggi, tetapi departemen lukisan. Keputusannya untuk menekuni seni lukis didukung oleh Mikhail, kecintaannya pada permainan cahaya dan harmoni warna di masa depan menjadi ciri khas sang seniman.

Seperti banyak seniman Rusia pada masanya, beberapa tahun pertama abad kedua puluh adalah periode pengenalan dan penerimaan gaya yang berkembang di ibu kota Eropa Barat. Pada saat itu, dia tertarik pada Impresionisme dan Divisionisme, gaya yang terkait dengan Monet dan Seurat. Kedua gaya tersebut menekankan bukan pada citra benda padat, melainkan penangkapan cahaya (warna) yang dipantulkan dari objek ke mata. Akibatnya, gambar biasanya longgar, dan penekanannya pada warna serta goresan cat. Hal ini menyebabkan kesadaran akan cat, sapuan kuas, tekstur, dan lukisan di atas kanvas. Kedua gaya ini penting untuk membebaskan seni dari karakter yang murni representatif. Seniman mulai menyadari bahwa seni adalah ekspresi estetika, terinspirasi oleh penampilan dunia fisik, tetapi tidak bergantung padanya.

Suatu ketika impresario balet Rusia yang hebat Diaghilev mengorganisir masuknya koleksi lukisan oleh Goncharova dan Larionov di bagian Rusia dari Salon Musim Gugur di Paris. Dimasukkannya mereka dalam pameran seni radikal baru tahunan yang baru didirikan ini (pada tahun yang sama 1906, kelompok pertama Fauves dipresentasikan di sana) membuktikan fakta bahwa kedua seniman itu dianggap sebagai model dari kecenderungan Avant-garde di negara mereka. Selama sembilan tahun berikutnya, sebelum emigrasinya dari Rusia, Natalia berpartisipasi dalam sejumlah pameran penting, yang banyak di antaranya dia dan Mikhail selenggarakan. Selama periode ini, ia juga dipresentasikan di pameran Post-Impresionis 1912 yang diselenggarakan oleh Roger Fry di Galeri Grafton di London, serta di pameran pribadi di Moskow dan St. Petersburg, dan di sebuah pameran di Galeri Paul Guillaume di Paris dengan katalog kritikus terkenal Apollinaire.

2. Gaya distrik

Setengah abad yang mendahului dimulainya perang adalah periode perkembangan pesat seni rupa di Rusia. Natalia berada di garis depan gerakan ini.

Anehnya, tiga arah berbeda secara bersamaan dimanifestasikan dalam karyanya: regionalisme, neo-primitivisme, dan kubo-futurisme.

Yang pertama adalah gaya asli yang dikandung oleh Mikhail dan diteliti secara ekstensif oleh Natalia.

Distrik pada waktu itu adalah salah satu gaya yang sepenuhnya abstrak dalam seni Barat. Seperti Impresionisme, regionalisme berkonsentrasi pada sinar cahaya yang dipantulkan dari objek. Ruang dalam gambar pancaran tidak dapat diukur, tetapi merupakan atmosfer yang diisi dengan energi sinar cahaya dalam jumlah tak terbatas, baik secara langsung dari matahari, atau, lebih mungkin, sinar yang dipantulkan bolak-balik dari benda-benda fisik di sekitarnya. Prinsip panduannya murni estetika karena warna dipilih untuk harmoni atau efek visualnya.

Selama lebih dari tiga dekade, para seniman terpesona oleh gagasan untuk menciptakan seni non-figuratif berdasarkan orkestrasi warna. Jika musik benar-benar abstrak dan, pada saat yang sama, ekspresif tanpa batas, maka tidak mungkin ada seni yang menggunakan warna (bukan suara) yang sama abstrak dan ekspresifnya.

Alih-alih bentuk-bentuk terfragmentasi dan saling berhubungan yang ditemukan dalam Kubisme, seri Cats didasarkan pada sapuan warna yang panjang dan tajam. Districtism adalah gaya berumur pendek yang mencapai akhir pada tahun 1914. Franz Marc, terkait dengan Munich Blaue Reiter (dengan siapa Natalia telah berpameran dua tahun sebelumnya), mengagumi karyanya dan menulis dengan cara yang terinspirasi oleh distrik, mungkin karena pengaruhnya.

3. Gaya primitivisme

Tidak terkendali dan gelisah, mencari inspirasi baru, dia juga sangat bergantung pada pelukis Kubisme awal seperti Pablo Picasso untuk beberapa waktu. Tahap dalam karyanya ini berlangsung selama beberapa tahun dan menutupi lukisannya, yang terinspirasi oleh tradisi Rusia.

Tetapi ilustrasinya untuk beberapa buku puisi karya Velimir Khlebnikov dan Alexei Kruchenykh menunjukkan pengabdiannya pada bentuk seni Rusia kuno seperti ikon, lukisan dinding agama, dan ukiran kayu. Pada tahun 1913, dia secara dramatis menyatakan bahwa dia berpaling dari Barat, memberikan simpatinya kepada Timur.

Di salah satu pameran awalnya, lukisan primitivis dan kubisme dipresentasikan, dan pada pameran berikutnya, yang diselenggarakan oleh suaminya, lebih dari lima puluh karya Natalia dipamerkan. Dia mendapat inspirasi untuk primitivisme dari ikon Rusia dan seni rakyat, atau dikenal sebagai cetakan populer. Pameran kedua, kemudian dianggap sebagai pemutusan yang disengaja dengan pengaruh artistik Eropa dan penciptaan sekolah seni kontemporer Rusia yang independen. Acara tersebut ternyata kontroversial, dan badan sensor menyita karya bertema religi Natalia "Evangelists", karena dianggap menghujat untuk ditampilkan di sebuah pameran yang disebut "The Donkey's Tail". Natalia dan Mikhail telah lama dianiaya karena pekerjaan mereka dan cara mereka mengekspresikan diri. Tetapi bahkan dalam karya-karya Natalia selanjutnya, pengaruh futurisme Rusia terlihat. Awalnya terpesona oleh lukisan ikon dan primitivisme seni rakyat etnis Rusia, Natalia mendapatkan ketenaran di Rusia untuk karya futuristiknya (salah satunya adalah lukisan berjudul The Cyclist).

Natalia dan Mikhail, melukis wajah mereka dengan hieroglif dan bunga, berjalan di jalan sebagai bagian dari gerakan artistik primitivis. Natalia sendiri dari waktu ke waktu tidak takut tampil di depan umum setengah telanjang dengan simbol di dadanya. Sebagai pemimpin futuris Moskow, mereka menyelenggarakan malam kuliah yang provokatif dengan nada yang sama seperti rekan-rekan Italia mereka. Selain itu, Natalia menulis dan mengilustrasikan beberapa buku avant-garde.

Natalia telah menjadi anggota grup avant-garde Penunggang Biru sejak hari pertama pendiriannya (1911). Empat tahun kemudian, ia mengambil pengembangan kostum dan set balet di Jenewa. Dan segera dia mulai mengerjakan serangkaian sketsa untuk balet Diaghilev, tetapi, sayangnya, balet itu tidak pernah terwujud.

Beberapa tahun kemudian dia pindah ke Paris, di mana dia menciptakan sejumlah set untuk balet Rusia Diaghilev. Dia juga berpameran di Salon d'Automne dan secara teratur berpartisipasi di Salon des Tuileries dan Salon of Independents.

Natalia dan Mikhail berkolaborasi dalam empat acara amal di Moskow. Mereka berdua mengembangkan sebagian besar materi promosi untuk acara tersebut.

4. Gaya neo-primitivisme

Sejalan dengan Rayonisme, Natalia menulis dengan gaya yang sekarang disebut neo-primitivisme. Itu adalah fenomena yang sebelumnya terjadi di Prancis dan di tempat lain dan tampaknya terkait dengan perubahan aspirasi politik, sosial dan budaya. Dikombinasikan dengan demokratisasi pemikiran politik dan sosial, sering ada kecenderungan untuk mencoba menemukan karakter budaya nasional yang lebih dalam dengan beralih ke seni rakyat atau petani tradisional untuk mendapatkan inspirasi. Karena latar belakang gerejawi keluarganya dan fakta bahwa dia menghabiskan masa mudanya tinggal di pedesaan, Natalia akan tertarik pada seni keagamaan dan rakyat tradisional sebagai bagian dari pengalaman formatifnya dan sebagai seni visual rekan senegaranya. Ini adalah periode ketika kaum intelektual mulai melihat ikon (gambar liturgi Rusia) sebagai warisan budaya nasional yang penting. Pameran ikon Romanov yang hebat membuat banyak orang yang sensitif secara estetika.

Natalia telah menulis tentang tema-tema religius selama beberapa tahun, merasa bahwa makna religius dan makna ikon yang intens adalah salah satu tujuan terpenting yang harus ditangkap oleh seorang seniman dalam karyanya. Warna yang kaya, efek dekoratif yang mempesona, dan sifat ikon yang sangat formal dan bergaya telah menginspirasinya untuk bekerja.

Hal ini menyebabkan dia untuk menggunakan cara yang tidak berhubungan dengan praktek akademis. Selain menekankan kualitas dekoratif yang datar, terkadang cat tampak berceceran di permukaan atau diaplikasikan dengan cepat untuk efek spontan. Pesona dan kenaifan, yang sebelumnya dinyanyikan dalam lukisan Henri Rousseau, muncul dalam karya seniman Rusia dan, yang sangat penting baginya, dipinjam dari sumber-sumber lokal.

5. Gaya kubo-futurisme

Antara tahun 1913 dan 1914, Cubo-Futurisme, aspek gaya modern Kubisme dan Futurisme, muncul dalam lukisan Natalia. Kubisme dikenal oleh seniman Rusia melalui publikasi, pameran, dan koleksi seperti koleksi Morozov dan Shchukin. Kubisme ambivalen terhadap warna yang mendukung rasa baru dari struktur-fragmentasi dan kohesi bentuk, menghasilkan komposisi hidup yang seragam di mana hubungan gambar / dasar dihilangkan.

Futurisme Italia juga memiliki pengikut di Rusia pada tahun-tahun sebelum Perang Dunia Pertama.

Futurismenya, seperti orang Italia, penuh warna. Sensasi gerakan disebabkan oleh pengulangan ritmis dari angka atau garis. Dimasukkannya kata-kata berwarna atau fragmen kata seolah-olah berasal dari tanda dan bagian dari lingkungan yang dilalui orang tersebut, lebih lanjut berkontribusi pada persepsi ini. Gelombang suara juga tersirat oleh efek berirama dan terkadang dengan penggunaan notasi musik.

6. Tahun-tahun terakhir kehidupan

Natalia menghabiskan sisa hidupnya di Paris, diakui sebagai anggota penting komunitas artistik kota. Dia terus melukis, tetapi karyanya yang paling menonjol adalah di bidang desain panggung. Di area ini, dia dan Michael menjadi bintang dunia. Natalia semakin mengidentifikasi pekerjaannya dengan Prancis. Pada tahun 1936, ia dan Mikhail berpartisipasi dalam kompetisi seni teater internasional penting yang diadakan di Milan. Mereka lebih suka memamerkan karya mereka di bagian Prancis daripada bagian Soviet, dan ketika mereka memenangkan medali perak, Prancislah yang pergi ke mereka.

Setelah invasi Prancis oleh Adolf Hitler pada musim semi 1940, Natalia dan Mikhail berada di bawah pendudukan Jerman. Di tahun-tahun sulit berikutnya, mereka berdua berhasil melanjutkan karir mereka di teater. Kemudian, pameran lukisan bias mereka di Paris mengingatkan publik akan peran penting mereka dalam perkembangan seni rupa kontemporer di pergantian abad. Seperti yang dikatakan beberapa orang, kedua seniman itu dengan sengaja melampaui beberapa karya mereka, terkadang lebih dari satu dekade, untuk memperkuat reputasi mereka sebagai seniman perintis.

Mikhail menderita stroke, dan situasi keuangan pasangannya, yang tidak pernah nyaman, menjadi semakin genting. Mereka bertahan sebagian dengan menjual lukisan awal mereka. Natalia juga menderita banyak penyakit fisik, termasuk radang sendi parah, yang membuatnya tidak mungkin menggambar di atas kuda-kuda. Melanjutkan untuk menunjukkan dedikasinya pada pekerjaan, dia menempatkan kanvas di depannya dalam posisi datar untuk terus memanipulasi kuas.

Natalia melakukan upaya terakhirnya di desain teater pada tahun 57. Ini terdiri dari kostum dan set untuk serangkaian balet di Monte Carlo. Setahun kemudian, ia mengadakan pameran terakhir lukisannya di Paris, menampilkan sekitar dua puluh kanvas yang terinspirasi oleh peluncuran satelit luar angkasa Sputnik oleh Rusia.

Pasangan ini masih dirundung masalah keuangan. Hanya penjualan sebagian besar perpustakaan dan karya-karya pasangan ke Museum Victoria dan Albert di London yang membantu mempertahankan solvabilitas mereka.

Natalia meninggal karena kanker di Paris. Di batu nisannya hanya tertulis bahwa dia adalah seorang seniman dan pelukis. Kematian Mikhail datang tak lama kemudian. Dia dimakamkan di sebelahnya dengan tulisan yang sama di batu nisannya.

Melanjutkan tema lukisan - enam pemimpin dunia yang menjadi terkenal tidak hanya dalam politikmaupun dalam seni.