7 mahakarya Hermitage yang patut dilihat di tahun 2020

2024 Pengarang: Richard Flannagan | [email protected]. Terakhir diubah: 2023-12-16 00:09

Para ilmuwan telah lama membuktikan bahwa seni memiliki efek menguntungkan pada kesehatan manusia dengan mengurangi tingkat kecemasan dan stres dalam tubuh. Hal ini terutama berlaku untuk seni rupa dan kontemplasi yang indah. Oleh karena itu, agar tahun 2020 dipenuhi dengan kondisi tubuh dan jiwa yang baik, ada baiknya mengunjungi Hermitage dan melihat pameran museum yang paling terkenal.

"Apostles Peter and Paul" oleh El Greco

El Greco adalah salah satu seniman paling cerdas dan paling orisinal. Berasal dari Yunani, ia belajar melukis di Italia di bengkel karya Titian yang agung. Dia belajar teknik minyak dari idolanya dan juga terinspirasi oleh teknik artistik Mannerisme Italia. El Greco menonjol di antara rekan-rekannya karena orisinalitas gaya ekspresif yang dramatis. Dalam potretnya, ia menaruh perhatian besar pada karakterisasi psikologis. Dalam lukisan dari Hermitage ini, sang seniman mewakili dua tipe orang yang berbeda. Di sebelah kiri adalah Rasul Petrus, yang menyangkal keberadaan Kristus tiga kali. Wajahnya menyiratkan kesedihan dan ketidakpastian, sementara gerak-geriknya diwarnai dengan pertobatan dan permohonan. Rasul Paulus, yang, seperti yang Anda ketahui, pada awalnya adalah penganiaya orang Kristen yang bersemangat, dalam gambar menunjukkan semangat spiritual dalam menegaskan kebenaran. Gerakan tangan yang menjadi pusat komposisi karya itu mengungkapkan dialog yang menyatukan kedua rasul.

Peter berambut abu-abu, terbungkus jubah emas, memiringkan kepalanya ke samping. Di tangan kirinya dia memegang simbolnya - kunci Kerajaan Surga. Pavel dengan kuat menekan tangan kirinya ke volume terbuka di atas meja, tangan kanannya terangkat sebagai isyarat klarifikasi ketika melihat langsung ke penonton. St Peter dan St Paul muncul berkali-kali dalam karya El Greco, dan mereka digambarkan dengan konsistensi yang mencolok. Seniman itu selalu menampilkan Petra dengan rambut beruban dan jenggot, dan dia sering mengenakan jubah kuning di atas tunik biru. Paul selalu sedikit botak, dengan rambut hitam dan janggut, dalam jubah merah di atas pakaian biru atau hijau.

"Maria Magdalena yang Bertobat" oleh Titian

Maria Magdalena yang Bertobat adalah potret St. Maria Magdalena Titian dari sekitar tahun 1531, dengan tanda tangan 'TITIANUS' di kapal di sebelah kiri. Menurut plot, ini adalah seorang wanita dengan masa lalu yang buruk, yang menurut Injil (Lukas 7, 36-50), datang ke rumah Simon orang Farisi untuk meminta pengampunan Yesus. Ini adalah sosok feminin yang digambarkan oleh Titian dengan sapuan tebal, terkonsentrasi, dan nada hangat. Palet menyoroti mata luar biasa yang direndam dalam air mata kristal. Rambut pirang tembaga yang menutupi sosok itu ditulis dengan luar biasa. Tema pertobatan Maria Magdalena, mengangkat matanya ke surga, mendapatkan popularitas besar di Italia pada abad ke-16 di antara bangsawan, pemimpin agama dan kelas menengah yang kaya. Kurangnya pakaian melambangkan penolakan Magdalena dari perhiasan, emas, dan hobi duniawi demi iman kepada Kristus. Selain itu, rambut emas dan sosok Magdalena secara keseluruhan memenuhi standar kecantikan Renaisans.

"Madonna Litta" oleh Leonardo da Vinci

Lukisan itu mendapatkan namanya dari keluarga bangsawan Milan, yang koleksinya ditemukan hampir sepanjang abad ke-19. Pada tahun 1865, Tsar Alexander II Rusia membeli kanvas untuk Hermitage, di mana ia ditampilkan hingga hari ini. Karya ini menggambarkan Madonna menyusui Anak Kristus. Perhatikan tidak adanya ghosting dalam gambar ini. Sejumlah kanvas Leonardo menunjukkan fitur yang sama ini. Angka-angka diatur dalam interior gelap dengan dua bukaan melengkung yang menunjukkan pemandangan lanskap pegunungan. Detail yang menarik: di tengah gambar, di tangan kiri Kristus, ada sirip emas, yang merupakan simbol sengsara Kristus.

Perasaan sukacita keibuan dalam lukisan "Madonna Litta" sangat menyenangkan digambarkan berkat kekayaan citra Maria - di sini ia menemukan ekspresi dewasa dari kecantikan feminin Leonardo. Wajah Madonna yang lembut dan cantik memberikan spiritualitas khusus untuk mata setengah tertutup dan sedikit senyum. Komposisi lukisan itu mencolok dalam kejelasan dan kesempurnaannya yang mencolok. Madonna dan Anak adalah motif umum dalam seni Kristen selama Abad Pertengahan dan berlanjut hingga Renaisans.

"Pemain kecapi" Caravaggio

Lukisan itu ditugaskan oleh Kardinal Francesco del Monte, yang melindungi sang seniman. Caravaggio memerankan seorang pemuda yang terpesona oleh musik: tatapannya penuh inspirasi, jari-jarinya melekat pada senar. Sosok seorang pemuda berbaju putih terlihat jelas dengan latar belakang gelap. Pencahayaan samping yang keras dan bayangan yang jatuh memberi objek volume dan berat yang hampir terlihat. Benda-benda yang ditempatkan dalam gambar itu membuktikan kecintaan seniman yang besar terhadap dunia di sekitarnya, keinginannya untuk mereproduksi alam secara jujur, untuk menyampaikan kualitas material dari setiap detail. Di buku catatan yang tergeletak di depan pahlawan dengan kecapi, catatan pembuka madrigal yang populer di abad ke-16 "Kamu tahu bahwa aku mencintaimu" tertulis.

Cinta sebagai tema karya ini juga ditunjukkan oleh objek lain. Misalnya, kecapi yang retak adalah metafora untuk cinta yang gagal. Pada awal kreativitas, Caravaggio sering memberi kaum muda fitur feminin, yang, bagaimanapun, adalah tipikal seni Italia pada akhir abad ke-16. Sangat menarik bahwa musisi dari lukisan dari Hermitage sering dikira seorang gadis, dan komposisinya disebut "Pemain Kecapi."

"Nyonya Berbaju Biru" Thomas Gainsborough

Salah satu karya seniman terbaik - "The Lady in Blue" - diciptakan oleh Gainsborough di puncak kekuatan kreatifnya. Sosok seorang wanita muda dalam gaun terbuka yang terbuat dari kain putih transparan dengan lembut menonjol dengan latar belakang gelap. Rambut bedaknya ditata menjadi gaya rambut yang unik. Ikal besar jatuh di atas bahu miring. Kesegaran wajah awet muda ditonjolkan dengan bibir setengah terbuka dan mata gelap berbentuk almond. Dengan gerakan ringan tangan kanannya, dia memegang syal sutra biru. Nada keabu-abuan, kebiruan, merah muda dan putih di sana-sini ditingkatkan dengan sapuan cerah, dan membantu menyampaikan keanggunan dan keindahan model.

Keberanian teknik gambar Gainsborough membuat kagum orang-orang sezamannya. Jadi, Reynolds mencatat "titik-titik dan ciri-ciri aneh" dalam lukisan-lukisan Gainsborough, "yang tampaknya lebih merupakan hasil kebetulan daripada niat sadar." Tradisi non-akademik inilah yang merupakan salah satu pencapaian terbesar Gainsborough. "The Lady in Blue" memasuki Hermitage pada tahun 1916 dari koleksi A. 3. Khitrovo dengan wasiat.

Kembalinya Anak yang Hilang oleh Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Karya seni alkitabiah ini sekali lagi menegaskan status Rembrandt sebagai salah satu pelukis terbaik sepanjang masa dan yang terbesar dari semua Guru Tua dalam menggambarkan adegan-adegan Alkitab. Lukisan The Return of the Prodigal Son, yang diselesaikan oleh sang seniman di tahun-tahun terakhir hidupnya, menggambarkan sebuah adegan dari perumpamaan Lukas 15:11–32. Menurut kritikus seni terkemuka Kenneth Clarke, kanvas adalah salah satu lukisan terbesar sepanjang masa. Menurut plotnya, sang ayah, seperti patriark, meletakkan tangannya di pundak seorang peniten yang dicukur dan mengenakan pakaian usang. Matanya hampir tertutup. Tindakan pengampunan menjadi berkat dari sakramen yang hampir sakramen.

Ini adalah gambar dengan spiritualitas tertinggi, bebas dari semua aspek anekdot, di mana semua gerakan dan tindakan terhenti. Adegan terjun ke dalam kegelapan, seperti terowongan, dari mana wajah ayah dan putra sulungnya bersinar pucat. Jubah merah mereka membuat kegelapan ini bercahaya. Rembrandt telah berulang kali melukis dengan tema anak yang hilang, tetapi dalam versi minyak yang monumental ini ia menjadi yang paling menarik dan - berkat kontras antara anak sulung dan anak yang lebih muda (hilang) - formulasi yang paling sulit secara psikologis.

"Menari" oleh Henri Matisse

"Tarian" adalah salah satu karya Henri Matisse yang paling terkenal - sebuah ode untuk kehidupan, kegembiraan, penolakan fisik, dan simbol seni kontemporer. Karya tersebut ditugaskan oleh kolektor berpengaruh Rusia Sergei Shchukin pada tahun 1909 untuk mendekorasi rumahnya. Dicirikan oleh kesederhanaan dan energinya, pesta artistik ini meninggalkan bekas yang tak terhapuskan pada seni abad ke-20. Tarian ini ditulis pada puncak estetika Fauvist dan mewujudkan emansipasi tradisi seni tradisional Barat. Pilihan estetika Henri Matisse untuk lukisan ini menyebabkan skandal nyata di salon seni pada tahun 1910. Ketelanjangan yang berani dan nuansa kasar memberi gambar itu karakter yang luar biasa untuk waktu itu, yang di mata beberapa pemirsa tampak biadab.

Matisse hanya menggunakan tiga warna untuk menggambarkan tarian ini: biru, hijau dan merah. Sesuai dengan asosiasi warna tradisional Fauvist, ketiga warna ini menciptakan kontras yang intens. Namun, gol Matisse tak membuat penonton kaget. Sebaliknya, ia berusaha menyatukan orang satu sama lain dan dengan alam. Seperti yang dikatakan seniman, "Apa yang saya impikan adalah seni yang seimbang, bersih dan tenang yang dapat menghindari masalah atau kekecewaan."